Muzeul Naţional de Artă al României

Română

Download the map.

Catch your breath while admiring the dialogue between two arts: music and paiting. By following the tour we sugest, you will not only discover the link between visual artists and musicians, but also the mutual admiration expressed in the work of arts of these great spirits.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 06

Corneliu Baba Collection – George Enescu
„Among the great artists of the world, Enescu stayed with me as an all-encompassing icon of the genius artist and of one of the noblest thinkers in art. I was still working on the portrait when news of his death reached me. I finished it after several months of tormenting work. It was presented at the Dalles Hall exhibition (1955), it was the key piece in the room, but critics hardly accepted it. Nobody understood, except perhaps those who knew his huge spiritual personality, why I imagined him with his head lowered, his back a little hunched, with that figure characteristic only to him, and why I didn’t see in him a proud and assured musician.
[...] The portrait is now in my workshop, where I paint a second version, made to express what was not expressed earlier.” (Corneliu Baba, Confessions and Diaries, vol. I, 1944 – 1965, The National Museum of Art of Romania, Bucharest, 2018)

Iosif Iser CollectionHarlequinade, Singer in blue with a musical instrument, Interior with two odalisques – Paulina and Mariana, Oriental Woman
On this second stop we propose not only this artist’s works, but also objects that belonged to him: four musical instruments were included in the exhibition. They were used by the artist as props for scenes with few characters interpreted by models. The artist himself decided their ‘pose’ with various attitudes and accessories.
One of the frequent motifs in his famous oriental women compositions is the theorbo, a string instrument from the lute family, well used by Iser as an accent in numerous paintings and drawings, in the late 1920s and especially in the early 1940s.
Iosif Iser often compared the drawing exercise to the musical one: “I was drawing constantly. The drawings are always for me what technique exercises are for a pianist.”

Elena end Anastase Simu Collection – Gentleman with a lute (Jacques Henri Lambert) and The Chorus (Hedwig Mechle Grossmann)
Lawyer, diplomat and politician, Anastase Simu (1854 – 1935) was one of the most important Romanian collectors of Western European art.
Gentleman with a lute, by Jacques Henri Lambert was acquired by Simu in Paris in 1907, the very year it was painted. The author distanced himself from the growing modernist trends, choosing subjects disconnected from immediacy, usually scenes with one or several characters dressed mostly in 17-th century European costumes treated in an unequivocally figurative style.
The Chorus, by the German artist Hedwig Mechle Grossmann, stands between the genre scene and the group portrait. The characters look in different directions as if interpreting a polyphonic score, resulting in a dynamic image. The lack of depth of the composition, while all characters are placed in the foreground, as well as the angle from which they are seen make the onlooker to feel accepted in the space of the painting and to almost become the intimate spectator of the concert.

 

Garabet Avachian Collection – Still life with guitar (Lucian Grigorescu)
Considered by the art critics one of the best Romanian colourists, Lucian Grigorescu always searched, through the orange shade in his paintings, for the red shade of the soil in the Dobruja province where he had spent his childhood. The southern colours, the brown, the orange, the ochre, are present in Still life with guitar as part of the chromatics closely linked to his biography.
Collector Garabet Avachian was a violin professor at the Ciprian Porumbescu Conservatory in Bucharest, where for a long time he taught many a virtuoso of this instrument.

Elisabeta and Moise Weinberg Collection – Interior in the artist’s studio (Gheorghe Petrașcu), Tatar woman with violin, Barbu the violinist , Still life with musical instruments (Iosif Iser)
The Elisabeta and Moise Weinberg Collection proves both the friendship between the collectors and the artists, but also the latters’ sensitivity to music.
To Iosif Iser, inspiration from the imaginary world of music is almost a personal hallmark. Thus it is only natural that his works featuring musical instruments are present in the Elisabeta and Moise Weinberg Collection, the Weinbergs being some of his keenest collectors. In the paintings Tatar woman with violin (1945) and Still life with musical instruments (1940), the instruments are attentively placed and seen from a monumentalizing angle.
In the same collection one can admire a small pseudo-portrait, in gouache, of Barbu the Violinist (Rom. Barbu Lăutaru) and his violins. This was a famous musician in the Romanian Principalities in the first half of the 19th century and became a favourite subject for Iser between 1930 and 1940.
One should not miss the painting by Gheorghe Petrașcu Interior in the artist’s studio where the elements of the composition (the easel, the bookcase, the table and instruments) revolve around the central image of a guitar. The studio, a space for toiling, learning and delecting, may synthesize, according to Petraşcu, the concept that some cultural historians named ’the modern system of the arts’.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 04

 

Download the map.

A society undergoing radical change, its artistic life receiving new influences and establishing its new directions, an art scene able to place the artist among fashion darlings, a new music marked by Enescu’s genius… This might be the backdrop against which Romanian modern art takes shape at the end of the 19th and beginning of the 20th century.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 05
Here are the few stops of an imaginary tour in the Romanian Modern Art Gallery:
Theodor Aman (1831 – 1891), founder of the first Romanian art schools in Jassy and Bucharest, painter and draftsman, teacher and member of the Academy, was an artist belonging to his time. His works reflect the trends in the Bucharest high society to which he himself belonged: Party with musicians, Dress Ball in the artist’s workshop, Still life with a cello, etc. (Room 1)


Also named “the painter of nature”, Ștefan Luchian (1868 – 1916) is considered a passionate master of bright bold colours seen under intense light. One day, just before his tragic death, George Enescu played for him for hours, out of respect and love for Luchian’s art. (Room 3)


Next stop: Room 5, dedicated to sculptor Dimitrie Paciurea (1873 – 1932), Romanian artist known for the mysteriousness and the forceful symbolism of his Chimeras. Looking through the series dedicated by the artist to international personalities one remarks The Bust of Beethoven. Created in 1912, it embodies, in a symbolic approach, the essential creator by excellence.

The Avant-garde reunited artists who refused tradition and tempted the re-invention of art: Marcel Ianco (1895 – 1984), Max Herman Maxy (1895 – 1971), Arthur Segal (1875 – 1944), Victor Brauner (1903 – 1966). They all did painting and sculpting, decorative art and stage design, posters and architecture. How would music be seen through the eyes of an Avant-garde artist? You can find out in the Café Concert by Marcel Ianco. (Room 6) Maybe more than anyone else, Constantin Brâncuși (1876 – 1956), through his search for essences, his volumes so synthetic, full of energy and vibration, makes one wonder: what music was Brâncuși listening to? (Room 7)

The final stage of the tour in the Romanian Modern Art Gallery (also “drawn” for you in The Concert of Paintings) is in Room 11, in front of the Feminine Nude with a Mandolin. Created in 1941 by Romanian sculptor Boris Caragea (1906 – 1982), the work reminds the Greek classic era through its subject, composition and vigor of volumes, but at the same time the creations of French sculptor Aristide Maillol (1861 – 1944). Sculptor Boris Caragea is also the author of the 1961 statue of George Enescu, now to be seen in the vicinity of the National Music University in Bucarest.

 Benzi site MNAR ENESCU 2019 03

 

Download the map.

In your tour through the European Art Gallery, while admiring works by great artists such as El Greco, Rubens, Rembrandt or Monet, do not miss the five stops we prepared for the special tour dedicated to music as presented in the artwork on music subjects. You will be persuaded that many European artists were inspired by music, a language not only universal but also beyond time.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 02

Jacopo Amigoni - Portrait of singer Carlo Broschi named Farinelli
The first stop on the musical tour in the European Art Gallery is with the Italian School and the “Portrait of singer Carlo Broschi named Farinelli”. In a grandiose arhitectural decor, the famous castrato Farinelli, presented in full size, is being crowned with laurels by Euterpe, muse of music. The winged feminine character in the background symbolises Fame, while the bust of the god Apollo or the garland lead to the idea of Farinelli’s artistic supremacy.
The author is Jacopo Amigoni (1682-1752), one of the most important representatives of rococo painting in Europe. Amigoni met Farinelli in person and made several portraits of him. The one shown in NMAR is considered the most complex.

 

Anonymous German artist from the XVIII-th centuryStill Life With Music Notes
If you stop in the rooms showing works belonging to the German school, you can admire a XVIII-th century still life, painted in trompe l’oeil. The objects are exhibited on two wooden shelves, with a wall as a background. In the centre of the composition one discovers a small painting representing two children and several pigeons; the small painting is surrounded by music sheets. In the upper left register there is a knife thrust into the wall and from it an inkpot and a sheath for pens are hanging.
This work is now shown especially for the Campaign entitled The Concert of Paintings. A „moderato” walk among „forte” artwork.

 

Pedro Campaña – The Triumph of the Virgin Surrounded by Angels
For the third stop on this musical trip we propose a Renaissance religious work from the Spanish School: ”The Triumph of the Virgin Surrounded by Angels”. This painting shows the Virgin Mary holding baby Jesus in her arms. She is surrounded by four angels, two of them holding in their hands a harp and a violin. Musical themes are often present in religious works and they usually symbolize celestial harmony.

This painting was created by Pedro Campaña (1503–1580), considered to be one of the greatest religious painters in Seville by the mid-XVI-th century. Mainly inspired by Rafael, Peter de Kempeneer -- by his original name -- was a true Renaissance artist: painter, architect, sculptor, mathematician, astrologist, engineer.

 

Abraham Van der Schoor – The Concert
For a tour entitled „The Concert of Paintings”, the piece „The Concert”, shown in the Dutch School Rooms, is an absolute must.
In the XVII-th century, music was a popular passtime among the middle classes. Thus, such picturesque images, of musicians and robust singers, seen by the Flemish painters in theatrical lightings, exerted a powerful attraction on the Dutch artistic milieu. Abraham Van der Schoor, author of this painting, obviously did not escape it.
There are few informations on his life and career. But from the few of his works that reached us, one can see his attraction for the topic of the concert.

 

Émile-Antoine Bourdelle – Dying Centaur (second study)
Last stop: French School Rooms, to see the only sculpture on this musical trip. Made in bronze in 1914 by Émile-Antoine Bourdelle (1861 – 1929), the sculpture ”Dying Centaur” symbolises the sad destiny of an artist who wrestles with his own life and dies holding his lyre that represents his artistic ideal. A melancholic work on the death of the artist no longer credited by his audience.
Considered one of the most important modern sculptors, Bourdelle was an apprentice in the workshop of Auguste Rodin, whose influence is visible in Bourdelle’s early work.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 01

Click HERE for the English version.

Descarcă harta.

O societate în plină schimbare, cu o viață artistică ce primește noi influențe și își stabilește noi direcții... Un peisaj artistic capabil să plaseze artistul în topul preferințelor modei și cu o muzică nouă, marcată de geniul lui George Enescu... Cam acesta este decorul în care arta modernă românească se conturează la sfârșit de secol XIX și început de XX.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 05


Pe firul muzicii, primul artist care ne atrage atenția este Theodor Aman (1831 – 1891), întemeietor al primelor școli românești de arte frumoase de la Iași și București. Pictor și grafician, pedagog și academician, Theodor Aman rămâne în istoria artei românești ca un etern preocupat de epoca sa. Lucrările sale au preluat temele înaltei societăți bucureștene, din care el însuși făcea parte, precum în lucrările Petrecere cu lăutari, Bal mascat în atelier (Serata), Natură moartă cu violoncel și altele. (Sala 1)


Pe traseul modernității, ne oprim și asupra pictorului Ștefan Luchian (1868 – 1916). Supranumit „pictorul naturii”, Ștefan Luchian rămâne în arta românească modernă ca un pasionat al genului, un maestru al culorilor vii, îndrăznețe, supuse constant unei lumini intense. Respectul și iubirea pentru artă l-au îndemnat pe George Enescu într-o zi..., aproape de tragicul sfârșit al pictorului, să-i cânte ore întregi la căpătâi. (Sala 3)

Parcursul traseului ne invită să zăbovim ceva vreme și în sala 5 dedicată sculptorului Dimitrie Paciurea (1873 – 1932), artist român cunoscut pentru forța simbolismului și misterul himerelor sale. Dintre toate acestea, se va remarca una dintre lucrările dedicate personalităților universale – serie a artistului. Bustul lui Beethoven a fost realizat în 1912 și întruchipează, într-o viziune simbolistă, tipologia creatorului prin excelență.

Mergând mai departe, pe firul cronologic al artei românești moderne, nu putem să nu remarcăm segmentul avangardei, ce reunește artiști care au refuzat tradiția, propunând re-inventarea artei. Marcel Iancu (1895 – 1984), Max Herman Maxy (1895 – 1971), Arthur Segal (1875 – 1944) sau Victor Brauner (1903 – 1966), cu toții au făcut pictură și sculptură, artă decorativă și scenografie, afiș și arhitectură. Cum ar arăta însă muzica prin ochii unui pictor avangardist? Vedeți în Café Concert-ul lui Marcel Iancu. (Sala 6) Poate mai mult decât toți, Constantin Brâncuși (1876 – 1956) se remarcă prin căutarea sintezei, a esențialului, prin volumul pur, plin de forță și vibrații. Privindu-i operele, ne întrebăm: oare ce muzică asculta Brâncuși(Sala 7)

Iar finalul traseului propus în Galeria de Artă Românească Modernă și „creionat” prin Concertul picturilor este marcat de oprirea în sala 11, în fața lucrării Nud feminin cu mandolină. Realizată în 1941 de scluptorul român Boris Caragea (1906 – 1982), lucrarea ne duce cu gândul la clasicismul grecesc prin subiect, compoziție și vigoarea volumelor, amintind în același timp de propunerile plastice ale sculptorului francez Aristide Maillol (1861 – 1944). Sculptorul Boris Caragea este și autorul statuii dedicată în 1961 lui George Enescu și amplasată lângă Universitatea Națională de Muzică din București.

 

Benzi site MNAR ENESCU 2019 03

 

Click HERE for the English version

Descarcă harta.

Acordați-vă un mic respiro pentru a vă bucura de dialogul dintre două arte: pictură și muzică. Urmând traseul muzical pe care vi-l propunem, veți descoperi nu numai legătura dintre artiștii plastici și muzicieni, ci și admirația reciprocă exprimată în operele acestor mari spirite.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 06


1. Corneliu Baba – George Enescu

„Dintre artiștii mari ai lumii, Enescu mi-a rămas ca o icoană a tot ce poate cuprinde într-însa noțiunea artistului de geniu și a unuia din cei mai nobili gânditori în artă. Portretul era în lucru atunci când de departe a venit știrea morții lui. L-am terminat după câteva luni de muncă chinuită. A fost prezentat la expoziția de la Dalles (1955), a dominat sala, și totuși critica nu l-a acceptat decât cu rezerve. Nimeni nu înțelegea, decât poate aceia care au cunoscut marea lui personalitate spirituală, de ce l-am imaginat cu capul puțin plecat, adus puțin de spate, cu silueta aceea caracteristică numai lui, și de ce nu am văzut în el un lăutar cu fruntea sus, sigur pe sine.
[...] Acum se află în atelierul meu, unde lucrez la o nouă replică în care vreau să exprim ceea ce n-am putut exprima în prima versiune”. (Corneliu Baba, Confesiuni și Jurnale, vol. I, 1944 – 1965)


2. Colecția Iser -Arlechinadă, Cântăreața în albastru, Două odalisce, Odaliscă.

Pentru cea de a doua oprire vă propunem nu doar lucrările artistului, ci şi obiecte ce i-au aparţinut. Ansamblul de patru instrumente muzicale – expuse special cu ocazia acestei campanii – erau utilizate ca recuzită de pictorul care obişnuia să reprezinte scene cu puţine personaje, folosind modele pe care el însuşi le aşeza „în poză” în atelier, în diverse atitudini şi însoţite de varii accesorii.

Unul dintre motivele recurente din faimoasele sale compoziţii cu odalisce este cel al teorbei, instrument cu coarde din familia lăutei, abil exploatată de Iser ca accent compoziţional în numeroase lucrări de pictură şi grafică, începând cu finalul anilor 1920 şi, mai ales, în prima jumătate a anilor 1940.
Iosif Iser compara adesea exerciţiul artistic cu cel muzical: „Desenam într-una. Desenele erau şi au rămas pentru mine ceea ce sunt gamele pentru un pianist.”

3. Colecția Simu - Gentilom cu lăută (Jacques Henri Lambert) și Corul (Hedwig Mechle Grossmann)

Juristul, diplomatul şi omul politic Anastase Simu (1854 – 1935) a fost unul dintre cei mai importanţi colecţionari români de artă europeană occidentală activi la finalul secolului al XIX-lea şi în primele decenii ale secolului XX.
Tabloul Gentilom cu lăută de Jacques Henri Lambert a fost achiziţionat de Simu de la Paris chiar în anul realizării sale, în 1907. Pictorul a fost unul dintre artiştii care, delimitându-se de curentele moderniste în plină expansiune, a optat pentru subiecte lipsite de racordare la cotidianul imediat, în genere scene cu unul sau mai multe personaje înveşmântate anacronic, cel mai adesea după moda europeană a veacului al XVII-lea, tratate într-un registru stilistic de un figurativism inechivoc.
Lucrarea Corul, pictată de artista germană Hedwig Mechle Grossmann, are un caracter hibrid, la limita între scena de gen şi portretul de grup. Dinamismul imaginii este dat de orientarea diferită a personajelor, ce par să interpreteze o partitutură polifonică. Lipsa de adâncime spaţială a compoziţiei, cu includerea în prim-plan a tuturor personajelor, precum şi unghiul din care acestea sunt redate fac ca privitorul tabloului să se simtă acceptat în spaţiul reprezentării, aproape transformat într-un spectator intim al concertului.


4. Colecția Garabet Avachian - Natură moartă cu chitară (Lucian Grigorescu)

Considerat de criticii de artă unul dintre cei mai buni „colorişti” români, Lucian Grigorescu a căutat prin oranjul din tablourile sale, nuanţa roşului dobrogean din copilăria sa. Culorile de inspiraţie meridională – brunul, oranjul, ocrul – se regăsesc şi în Natura moartă cu chitară, ca parte a unei cromatici atât dragi din biografia sa.
Colecționarul Garabet Avachian a fost profesor de vioară la Conservatorul „Ciprian Porumbescu” din Bucureşti, unde a format ani la rând numeroşi virtuozi ai acestui instrument.

5. Colecția Weinberg - Interior de atelier (Gheorghe Petrașcu), Tătăroaică cu țibulcă, Barbu Lăutaru, Natură moartă (Iosif Iser)

Iosif Iser este un artist pentru care motivele inspirate de imaginarul muzical reprezintă aproape o marcă personală. Moise Weinberg, colecționarul cel mai pasionat al lucrărilor sale, l-a cunoscut pe „pictorul odaliscelor” în 1940, iar între cei doi s-a legat o prietenie de câteva decenii. În tabloul Tătăroaică cu ţibulcă – Odaliscă (1945) şi în natura moartă cu vioară şi cobză (Natură moartă cu instrumente muzicale, 1940), instrumentele sunt foarte atent aşezate în scenă și reprezentate dintr-un unghi care le monumentalizează.
În aceeași colecție puteți admira şi un mic pseudo-portret în guaşă al lui Barbu Lăutaru cu cobză, faimos muzicant activ în Ţările Române în prima jumătate a secolului al XIX-lea, subiect abordat de Iser în mod repetat în anii 1930-1940.
Semnalăm și tabloul lui Gheorghe Petrașcu Interior de atelier - un colţ din atelierul artistului în care elementele compoziţionale (simeza, biblioteca, masa cu instrumentele de lucru) gravitează în jurul motivului central al unei chitare. Spaţiu de lucru, de instruire şi de delectare, atelierul pare astfel să sintetizeze, în viziunea lui Petraşcu, ceea ce istoricii culturii au numit „sistemul modern al artelor”.

 Benzi site MNAR ENESCU 2019 04

Click HERE for the English version.

Descarcă harta.

În drumul dumneavoastră prin Galeria de Artă Europeană, spre lucrările marilor artiști, precum El Greco, Rubens, Rembrandt sau Monet, nu ratați nici cele cinci opriri pe care vi le-am pregătit într-un traseu special, dedicat muzicii, așa cum este ea redată în operele de artă pe care le-am selectat special. Veți vedea astfel că mulți artiști europeni s-au lăsat inspirați de muzică, acest limbaj universal, ce trece dincolo de granițe și de veacuri.

Benzi site MNAR ENESCU 2019 02

Jacopo Amigoni - Portretul cântărețului Carlo Broschi numit Farinelli

Prima oprire de pe traseul muzicii din Galeria de Artă Europeană este la școala italiană și ne aduce față în față cu Portretul cântărețului Carlo Broschi numit Farinelli. Într-un decor arhitectural grandios, celebrul castrato Farinelli, reprezentat la scară naturală, este încununat cu lauri de Euterpe, muza muzicii. Personajul feminin înaripat din fundal simbolizează Faima, iar bustul zeului Apollo sau ghirlanda de flori se numără printre elementele care induc ideea de supremă autoritate artistică a lui Farinelli.

Autorul lucrării este Jacopo Amigoni (1682-1752), unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai picturii rococo în Europa. Acesta l-a întâlnit personal pe Farinelli și a realizat o suită de portrete ale acestuia, cel expus în MNAR fiind considerat cel mai complex dintre ele.

 

Anonim german – Natură moartă cu note muzicale
Ne îndepărtăm de italieni și ne oprim la școala germană, să admirăm o natură statică de secolul al XVIII-lea, în trompe l’oil, etalată pe două rafturi de lemn, pe un fundal de perete. În centrul compoziţiei, se află o pictură reprezentând doi copii şi porumbei înconjuraţi de note muzicale estompe, iar în stânga sus, un cuţit înfipt în perete de care atârnă o călimară şi o teacă pentru tocuri.

Această lucrare este expusă în prezent în muzeu special pentru această campanie.

 

Pedro Campaña - Triumful Fecioarei înconjurată de îngeri
Pentru cea de-a treia oprire de pe traseul nostru muzical, vă propunem o lucrare cu temă religioasă din școala spaniolă: Triumful Fecioarei înconjurată de îngeri. Pictura renascentistă ne-o înfățișează pe Fecioara Maria ținându-l în brațe pe Iisus. Ea este înconjurată de patru îngeri, doi dintre ei ținând în mâini câte un instrument (o harpă și o vioară). Motivele muzicale sunt prezente adesea în lucrările religioase, acestea reprezentând, de cele mai multe ori, armonia cerească.

Pictura a fost realizată de Pedro Campaña (1503–1580), pe numele său original Peter de Kempeneer, considerat unul dintre cei mai mari pictori religioși din Sevilia de la jumătatea secolului al XVI-lea. El a fost un adevărat artist renascentist: pictor, arhitect, sculptor, matematician, astrolog și inginer, fiind inspirat în special de Rafael.

 

Abraham Van der Schoor – Concertul
Un traseu intitulat „Concertul picturilor” nu avea cum să nu se oprească și în dreptul lucrării Concertul, pe care îl putem vedea în școala olandeză. 

În secolul al XVII-lea, muzica reprezenta în rândul clasei de mijloc o activitate populară pentru petrecerea timpului liber. Prin urmare, asemenea imagini pitorești, cu muzicanți și cântărețe robuste, înfățișate de către pictorii flamanzi în ecleraje teatrale, au exercitat o atracție deosebită asupra mediului artistic olandez, iar Abraham Van der Schoor, autorul lucrării, nu a făcut, după cum bine se vede, excepție.

Despre viața și cariera sa nu s-au păstrat multe informații. Însă din lucrările care au rămas, destul de puține ca număr, reiese atracția pictorului pentru tema concertului, în care se înscrie și pictura din colecția MNAR.

 

Émile-Antoine Bourdelle - Centaur murind (al doilea studiu)
Ultima oprire ne duce la școala franceză, în fața singurei sculpturi de pe traseul muzical din Galeria de Artă Europeană. Realizată în bronz în anul 1914, sculptura Centaur murind simbolizează destinul nefericit al unui artist care se luptă cu propria existență și moare cu lira în brațe, reprezentând idealul spre care acesta tindea.

O lucrare melancolică, despre moartea artistului în care lumea nu mai crede, realizată de Émile-Antoine Bourdelle (1861 – 1929). Considerat unul dintre cei mai importanți sculptori moderni francezi, Bourdelle și-a făcut ucenicia în atelierele lui Auguste Rodin, a cărui influență este vizibilă în lucrările din tinerețe.

 

Benzi site MNAR ENESCU 2019 01

Peste nouăzeci de pasteluri, acuarele şi desene realizate de Ştefan Luchian (1868-1916) de-a lungul vieții reconstituie cronologic și pe tehnici parcursul pictorului și contribuția sa la dezvoltarea graficii autohtone într-o perioadă de descoperire și definire a modernității românești.

În selecție figurează celebra copertă a primului număr al revistei societăţii Ileana, realizată în sub influența Jugendstilului, precum și o serie de lucrări pasteluri și acuarele ce pregătesc unele dintre cele mai populare lucrări ale artistului cum ar fi Safta florăreasa, Portretul lui Moş Niculae cobzarul, Portretul doamnei Olivier. Peisaje ca cele de la Brebu sau din lunca Ialomiţei și, mai ales, popularele sale naturi statice cu flori (Garoafe, Trandafiri, Albăstrele, Flori de câmp) exemplifică forța incredibilă pe care Luchian a imprimat-o pastelului, picturalitatea sa intensă, vigoarea cromatică dar și spontaneitatea sa.

Un loc aparte îl ocupă autoportretele pictorului, pline de expresivitate, din care ne întâmpină privirea pătrunzătoare a unui artist nicicând complezent cu sine. 

Expoziţia este organizată cu ocazia aniversării a 150 de ani de la naşterea marelui artist român.

 

Curator: Elena Olariu
Muzeul Naţional de Artă al României (accesul prin Str. Ştirbei-Vodă nr. 1-3)
19 mai - 23 septembrie 2018
Program de vizitare: miercuri – duminică, 10.00 – 18.00
Preț bilet: 10 lei
Închis vineri 1 iunie 2018
Gratuit: prima miercuri din fiecare lună, Noaptea muzeelor (19 mai).

Program de educație culturală și creativitate pentru familii în expoziția În lumea personajelor lui Löwendal, la Muzeul Colecțiilor de Artă, Calea Victoriei nr.111.
 
Cine a fost George Löwendal?  Ce este scenografia? Dar teatrul de păpuși?  Ne vom juca „În lumea personajelor lui Löwendal” printr-un program creativ pentru copii de peste 6 ani. Atelier conceput și propus de Daniela Mișcov, educator cultural și Irina Dimiu, scenograf.
 
Calendar: duminică 12 noiembrie și 3 decembrie, ora 12
Punct de întâlnire: Muzeul Colecțiilor de Artă, Calea Victoriei nr. 111, corp C.
Tehnică mixtă (colaj, desen, pastel)
Durata: 1h30
Taxa: 25 lei/copil și 15 lei/părinte.

Inspirați de creația plastică și viziunea teatrală a artistului plurivalent George Löwendal, din cadrul expoziției  „În lumea personajelor lui Löwendal”,  vă propunem un program despre Artă și Teatralitate, pentru familii cu copii de peste 6 ani.  Îndrumați de Daniela Mișcov, educator cultural și Irina Dimiu, scenograf explorăm prin exerciții creative ce înseamnă personaj, mască sau joc pentru artist; apoi devenim spectatori la teatrul de păpuși și răspundem la câteva ghicitori despre poveștile și personajele reprezentate, după care ne transformăm în artiști și desenăm propriile noastre păpuși.

Participarea la program se face pe bază de înscriere, în limita locurilor disponibile, prin e-mail la adresa: Această adresă de email este protejată contra spambots. Trebuie să activați JavaScript pentru a o vedea.

Programul se adresează întregii familii. Copiii pot participa la activitate doar împreună cu părinții. Program propus de Artelier D, susținut de Daniela Mișcov și Irina Dimiu.

IMPORTANT!
În email se vor specifica numele adultului însoțitor, numele copilului/copiilor, vârsta copilului/copiilor și un nr. de telefon.

 

Muzeul Național de Artă al României, găzduit în clădirea fostului Palat Regal, adăpostește cea mai bogată colecție de artă românească (medievală și modernă), artă europeană, artă decorativă și artă orientală din țară. MNAR administează, de asemenea, Muzeul Colecțiilor de Artă, Muzeul K.H. Zambaccian și Muzeul Theodor Pallady.

Muzeul Naţional de Artă al României este deţinătorul unui valoros patrimoniu de artă românească şi străină, organizat în două galerii permanente: Galeria Naţională (care include Galeria de Artă Veche Românească şi Galeria de Artă Românească Modernă) şi Galeria de Artă Europeană.

 

Pe lângă galeriile permanente, MNAR propune publicului și expoziții temporare realizate în parteneriat cu muzee și instituții culturale de prestigiu.

Găzduite în clădiri de patrimoniu, Muzeul Colecţiilor de Artă, Muzeul K.H. Zambaccian şi Muzeul Theodor Pallady prezintă publicului colecţii care amintesc de atmosfera pitorească a Bucureştiului de altădată. 

Patrimoniul de arte grafice al muzeului cuprinde desene, pasteluri, acuarele și gravuri realizate de artiști români renumiți din secolul al XIX-lea și din perioada interbelică, dar și de artiști francezi precum Delacroix, Bourdelle, Matisse, la care se adaugă colecțiile de gravură franceză, italiană, olandeză și flamandă, sectorul de caricatură și machete de afiș și fondul de schițe și proiecte de arhitectură. Cabinetul organizează periodic expoziții temporare în sălile dedicate artelor grafice din cadrul Galeriei de Artă Românească Modernă și Galeriei de Artă Europeană.

Sufrageria Regală, Scara Voievozilor și Sala Tronului, recent restaurate, pot fi vizitate în al treilea week-end din fiecare lună.

Comunicate și imagini pentru presă

Comunicatele de presă ale MNAR pe anul în curs

 

Aceste imagini pot fi utilizate pentru a ilustra materialele de presă referitoare la Muzeul Național de Artă al României și materialele de promovare turistică. Nu pot fi folosite în scop comercial.

Dreptul de reproducere se acordă numai pe baza cererii explicite din partea unor edituri, trusturi de presă, etc. în care să se precizeze datele publicaţiei (genul: volum, site, dimensiuni, tiraj, limba ediţiei, ediţie bilingvă, etc.).

Programele pentru familii înseamnă învățare prin joc, relaxare și timp de calitate petrecut alături de cei dragi, la muzeu.

Experiența profesională și pasiunea pentru artă a specialiștilor din MNAR garantează calitatea programelor pentru publicul adult. Concepute atât pentru cunoscători, cât și pentru persoanele care își doresc o inițiere în artele plastice, vizitele ghidate la muzeu oferă cadrul ideal pentru experiențe estetice autentice și un plus de profunzime în interpretarea istoriei și a artelor.

Începând cu 11 februarie se primesc înscrieri la programele interactive ce vor avea loc în perioada 19 februarie – 15 iunie 2019.
Programele, adaptate fiecărui grup de vârstă, au la bază contactul direct cu opera de artă originală și procesul de creație ca modalitate de explorare a relației cu sine și cu lumea, contribuind la dezvoltarea curiozității și a sensibilității.

Întâlniri, evenimente şi programe dedicate tinerilor cu vârste cuprinse între 13 şi 19 ani care pot găsi, prin interacțiunea cu arta, noi oportunităţi pentru dezvoltarea personală.

Persoanele cu deficienţe de vedere şi de auz au „muzeul la îndemână”.  MNAR organizează la cerere tururi ghidate și programe pentru grupuri cu nevoi speciale. Acestea le permit să exploreze câteva dintre capodoperele expuse, cu ajutorul unor aplicaţii multimedia şi de realitate augmentată și al unor seturi multisenzoriale.

 

O simplă vizită la muzeu se poate transforma într-o experienţă inedită atunci când ai... „accesoriile” potrivite: un traseu ca o hartă, te ghidează prin galerii, îţi oferă informaţii şi îţi propune activităţi interesante. Alege varianta care ţi se potriveşte şi descarcă gratuit traseul!

Muzeul Național de Artă al României dispune de spații care pot fi închiriate pentru evenimente precum concerte, proiecții de filme, gale, dineuri, conferințe, simpozioane.

Noul Muzeul al Republicii, înființat în 1948, a cuprins încă de la înființare un atelier de restaurare cu caracter general, dedicat lucrărilor din patrimoniul muzeului. Odată cu trecerea anilor, responsabilitățile acestuia s-au diversificat iar gradul sporit de profesionalizarea a personalului a permis înființarea unor ateliere specializate în funcție de tehnici și materiale. Atribuțiile secției de restaurare au crescut în complexitate, incluzând și activități de formare practică a participanților la cursurile post-universitare de specializare în funcție de disciplinele pentru care aceștia urmau a fi atestați. În anii 1970 și 1980 secția de restaurare a funcționat și ca laborator zonal. În această calitate personalul secției acorda asistență de specialitate unor muzee care nu dispuneau de ateliere și specialiști proprii. Pe măsură ce noi generații de absolvenți s-au specializat în diferite discipline ei au continuat să lucreze fie pentru acest muzeu fie pentru alte muzee din țară.

În zilele noastre specialiștii secției au în grijă întreg patrimoniul Muzeului, acesta incluzând și lucrările de la Muzeul Colecțiilor de Artă, Muzeul K.H. Zambaccian și Muzeul Theodor Pallady.

În cursul evenimentelor din decembrie 1989 au fost deteriorate grav câteva sute de lucrări și mai multe ateliere de restaurare, cel de restaurare pictură ulei arzând aproape în întregime. Drept urmare la începutul anului 1990 planul de priorități stabilit de Muzeu a vizat pe de o parte refacerea atelierelor de restaurare la standarde internaționale în noile spații atribuite instituției, iar pe de altă parte formarea și specializarea personalului astfel încât să se poată asigura conservarea și restaurarea patrimoniului. Date fiind condițiile din acea perioadă, Muzeul a beneficiat de ajutor substanțial din partea unor instituții de prestigiu. Acestea au sprijinit atât cu dotări care au permis reluarea activității atelierelor în cel mai scurt timp cât și prin oferirea de burse și stagii de pregătire. Câteva dintre acestea au fost legate direct de restaurarea unor lucrări de pictură europeană deteriorate în decembrie 1989 în prestigioase laboratoare din Europa și Statele Unite ale Americii. În cadrul acestui adevărat program specialiști ai Muzeului au lucrat pentru diferite perioade de timp la Stichting Restauratie Atelier Limburg (Olanda), Hamilton Kerr Institute din Cambridge, Camberwell College of Arts, Textile Conservation Centre de la Hampton Court (Marea Britanie), Bayerisches Nationalmuseum din München (Germania), Getty Museum (SUA), IRPA (Belgia) etc.

În prezent Secția de Restaurare cuprinde 8 laboratoare: pictură ulei, pictură tempera, grafică, sculptură în lemn și mobilier, textile, metal, ceramică și sticlă, și rame, toate specializate în domeniul artistic. Abordarea dezvoltată de colectivul de specialiști se bazează pe standardele agreate de comunitatea științifică internațională și prevede colaborarea cu colegii conservatori, muzeografi, istorici de artă ca de altfel și cu fizicieni, chimiști, biologi din muzee și instituții academice și de cercetare din țară și din străinătate. În anii din urmă unele domenii cum ar fi restaurare sculptură piatră, cercetări fizico-chimice fac obiectul unor parteneriate sau contracte de colaborare cu terți.

 

Laboratorul restaurare grafică

Anul înființării: 1961

Laborator restaurare grafica

 

Laboratorul de restaurare grafică, primul de acest fel din România, a fost înființat prin eforturile și din inițiativa doamnei Ortansa Stoica, absolventă a secției de grafică din cadrul Institutului de Arte Plastice Nicolae Grigorescu din București. După stagii de pregătire în domeniul restaurării hârtiei în laboratoarele de restaurare carte-document de la Arhivele Statului și Biblioteca Centrală de Stat din București, a urmat cursuri de sepcializare în restaurare grafică (stampe) la Moscova. De-a lungul timpului, în cadrul laboratorului s-au pregătit sub îndrumarea sa și au lucrat restauratori precum Yvonne Efremov, Marilena Harabagiu, Elena Ene, Lidia Zamfirescu, Nistor Coita.

În anii 1980 - 1990, câteva burse în Japonia și în Marea Britanie (Camberwell College of Arts) au permis perfecționarea personalului secției în materiale și tehnici specifice Extremului Orient dar și în utilizarea unor noi materiale și metodologii. În ultimii 25 de ani, grație experienței și profesionalismului colectivului de specialiști peste 4000 de lucrări de grafică deosebit de fragile și prețioase au fost redate circuitului expozițional, intrând în expunerea Muzeului Colecțiilor de Artă, a muzeelor K.H. Zambaccian și Theodor Pallady, precum și în numeroase expoziții temporare. În ultima vreme una dintre prioritățile laboratorului este legată de deschiderea Galeriei de Artă Orientală, multe lucrări de grafică și pctură japoneză intrând într-un program susținut de conservare/restaurare în vederea integrării lor în viitoarea expunere. Personalul laboratorului acoperă în prezent o mare varietate de tehnici și materiale, incluzând toate tipurile de hârtie (pastă de cârpe, calc, pastă chimică sau mecanică), de grafică (creion, pastel, cărbune, peniță, acuarelă, guașă,tempera), de tehnici de imprimare (tipar înalt, tipar adânc, tipar plan) și gravură, precum și pictură orientală și restaurare de carte-document.

În prezent echipa laboratorului este formată din Andreia Teodorescu, Cristian Tarba (experți restaurare grafică și respectiv coordonator), Simona Pauncev (expert în conservare, atestat investigații pe hârtie, restaurator hârtie, carte-document) și Raluca Arnăutu (restaurator în curs de atestare).